.
 

Tag: Lukisan

Lukisan Barat – Gerakan Seni Barat – Abstraksi Liris

No Comments

Sejarah

Abstraksi Liris mengacu pada istilah Modernis Pasca perang, sering digunakan secara bergantian dengan Art Informel dan Ekspresionisme Abstrak yang tumbuh di Eropa, tepatnya di Perancis, pada tahun 1945 dan berlangsung hingga sekitar akhir tahun 1957. Pada tahun 1946, seorang kritikus seni Perancis Charles Estienne secara resmi menciptakan istilah 'Lyrical Abstraction.' Di Amerika, Abstraksi ini adalah gerakan yang digambarkan oleh Larry Aldrich pada tahun 1969. Nama 'Tachisme' juga digunakan untuk menggambarkan gerakan ini.

o European Lyrical Abstraction: Ketika, pasca Perang Dunia II, Prancis sibuk membangkitkan citranya

hancur karena kolaborasi dan pekerjaan, beberapa pecinta seni memutuskan untuk mengembalikan posisi Paris sebagai pusat seni juga, seperti itu, sampai Perang Dunia. Membawa rencana aksi, beberapa pameran diadakan di Paris. George Mathieu dua pameran "Abstraksi Lyrique" di Paris pada tahun 1947, dan ketika Francis Picabia, pematung Francis Stahly, Georges Mathieu, Michel TapiƩ, dan Camille Bryen, Wols, Hans Hartung, dan Riopelle pada tahun 1948, menyampaikan beberapa tren yang luar biasa di kanvas. Sementara karya-karya George dengan jelas membatasi kesenjangan yang memisahkan Abstraksi Geometri 'dingin' dari tipe abstraksi liris alami 'panas', lukisan-lukisan Wols memiliki pengaruh surealis Prancis, seperti karya grafis yang sangat teliti dan produktif. Lukisan Hartung terfokus pada menetas, melesat, & menyikat, dan kanvas Hartung penuh dengan penghapusan. Lukisan Riopelle di sisi lain, adalah gaya bebas, tanpa konsep atau gagasan yang tetap.

o American Lyrical Abstraction: Tachisme menandai lanskap Amerika selama 1960-an -70an di New York City, Los Angeles, Washington, DC, dan kemudian Toronto dan London. Mulai dari Minimalis hingga Abstrak Ekspresionisme, Lukisan Lapangan Warna, dan Tachisme, Pencerahan Liris menampilkan sapuan longgar, ekspresi spontan, ruang ilusionis, pewarnaan akrilik, proses, pencitraan sesekali, dan teknik melukis yang unik dan baru. Bentuk Abstraksi ini adalah tentang tak terbatas ekspresionisme. Minimalis, Pop Artists, Formalists, dan Geometric Abstractionists tahun 1960-an adalah genre utama para pelukis, yang beralih ke Lyrical Abstraction. Eksperimental, ekspresif, longgar, bergambar, pelukis, dan abstraksi adalah fitur utama Tachisme.

Korelasi

Abstraksi Liris menyerupai Ekspresionisme Abstrak dan lukisan lapangan Warna, terutama dalam penggunaan bebas cat, eksterior, dan tekstur, sehingga sama-sama disikat, disemprot, diwarnai, dituangkan, disiram, dan diperas. Lyrical Abstraction adalah unik dari gaya lukisan lain dari empat puluhan dan lima puluhan, karena kemiringannya terhadap komposisi dan drama. Abstraksi Lirik sangat diidentifikasikan dengan komposisi acak, komposisi rendah, komposisi drama yang damai, dan pengulangan.

Sayangnya, Amerika menerima istilah Tachisme cukup terlambat. Namun pada tahun 1989, almarhum Daniel Robbins, profesor sejarah Union College Art mengenal istilah tersebut dan menekankan bahwa istilah itu harus digunakan, karena memiliki kredibilitas historis.

Lyrical Abstractionists & Works: Beberapa yang terkenal Lyrical Abstractionists adalah James Brooks, Helen Frankenthaler (Pegunungan dan Laut – 1952), Albert Bitran (b. 1931), Arshile Gorky, Pat Lipsky (Spiked Red – 1970), Adolph Gottlieb, Robert Motherwell , John Seery (Timur – 1973), Kenzo Okada, Mark Rothko, Joan Mitchell, Norman Bluhm, John Levee, Ray Parker, Paul Jenkins, Cleve Gray, Jack Bush.

Stroke, Swipes dan Sweeps: Gerakan dalam Lukisan Still Still Kontemporer

No Comments

Still Life adalah kelas lukisan yang kembali berabad-abad, dengan seniman terkenal termasuk Monet, Picasso, dan Van Gogh. Subjek lukisan still life telah berubah dari waktu ke waktu, tetapi masih hidup masih merupakan bagian penting dari seni kontemporer. Dan salah satu aspek terpenting dari lukisan still life adalah gerakan. Meskipun itu mungkin terdengar berlawanan dengan intuisi, itu benar sekali.

Gerakan dalam sebuah lukisan dapat digambarkan dengan berbagai cara. Ini bisa menjadi aspek yang menarik mata untuk subjek lukisan atau rasa perubahan dalam lukisan yang menarik Anda melalui dan membuat lukisan lebih aktif daripada pasif. Namun dijelaskan, gerakan membawa lukisan kehidupan yang masih hidup.

Melihat beberapa karya dari seniman modern, jelas bahwa penggunaan berbagai sapuan kuas dapat menciptakan rasa gerakan yang luar biasa. Melihat goresan, gesekan, dan sapuan yang berbeda menarik perhatian Anda pada aliran lukisan. Di beberapa latar belakang, Anda akan melihat goresan yang lebih besar yang mengarahkan mata pada subjek lukisan. Subyek sendiri memiliki sapuan kuas yang lebih kecil dan lebih halus yang tidak mengalihkan perhatian dari kehidupan diam. Memiliki sapuan kuas menyebabkan mata dapat mematahkan pandangan normal kita tentang sebuah lukisan. Kita dapat melihat sebuah lukisan seperti kita akan membaca buku: kiri ke kanan, dari atas ke bawah. Namun, dengan penggunaan sapuan sapuan tebal, itu dapat mengarahkan pandangan ke arah baru, menyebabkan reaksi yang berbeda terhadap sebuah lukisan.

Mempelajari penggunaan goresan dalam lukisan dapat memberi kita ide bagus tentang proses yang dilalui seorang seniman untuk membuat karya. Stroke yang tebal dapat menunjukkan energi yang lebih liar dalam lukisan, yang mengarahkan pemirsa untuk berpikir bahwa potongan itu mungkin dibuat dengan lebih banyak energi. Stroke kecil yang lebih halus membuat kita membayangkan proses yang lebih rumit, memakan waktu, dan dipikirkan. Menggunakan gagasan memiliki lukisan perlahan-lahan menampakkan diri kepada pemirsa, kita dapat melihat bagaimana melihat lebih dekat pada energi dan gerakan sebuah lukisan dapat mengungkap niat seniman dan bahkan prosesnya. Ini memberi penampil rasa koneksi yang lebih baik dengan karya seni.

Untuk memberi pemirsa koneksi dan reaksi terhadap lukisan itu penting. Seni selalu merupakan ekspresi emosi dan terus berada di zaman modern. Menggunakan gerakan dalam lukisan dan menciptakan pasang surut dan mengalir sangat penting dan menciptakan sinergi dalam sebuah lukisan, tidak hanya di dalam lukisan, tetapi juga antara lukisan dan penampilnya.